música maestra

"Música para el recuerdo" es el programa especial por Nochebuena que ha elaborado Margarita Lorenzo de Reizábal para amenizar estos días tan señalados con buena música. Por supuesto, no pueden faltar villancicos euskaldunes y del mundo mundial, mezclados con música nostálgica para los más mayores como tangos, boleros, música de guateque y otras curiosidades divertidas.

El primer músico considerado un ídolo de masas, siglos antes de los Beatles y Taylor Swift, fue FRANZ LIZST. "¡Qué estrepitoso fue el aplauso cuando lo vieron! ¡Qué aclamación! ¡Una verdadera locura, sin precedentes en los anales del furor!”, escribió el poeta Heinrich Heine sobre el sentimiento que provocaba el músico austríaco en el público. ¿Pero qué era tan diferente en este pianista? ¿Cómo fue que las mujeres de hace doscientos años atrás quedaban tan obsesionadas con él que se peleaban por quedarse las colillas de los cigarrillos que tiraba al suelo? Esta es la historia de Franz Liszt, “el primer rockstar de la historia”.

Gustav Mahler (7 de julio de 1860 – 18 de mayo de 1911) es uno de los compositores y directores de orquesta más importantes del posromanticismo. Sus sinfonías coronan la tradición de grandes compositores que se dedicaron al género, y a su vez tiende puentes con la música del siglo XX. Fue admirado por los máximos exponentes de la Segunda Escuela de Viena: Schoenberg arregló obras de Mahler, y Mahler a su vez apoyó las primeras obras del padre del dodecafonismo.

Les ofrecemos 5 obras esenciales del gran compositor Gustav Mahler. Sus obras, aparte de ser maravillas técnicas y estéticas, contienen profundas preocupaciones del compositor en términos humanos, espirituales, vitales. Hay muchas más obras fantásticas de este compositor, pero creemos que estas son vitales para quienes quieren introducirse al mundo de Mahler o recordar su música.

Aunque como intérprete fue un director que sobresalió en el terreno operístico, como creador centró todos sus esfuerzos en la forma sinfónica y en el lied, e incluso en ocasiones conjugó en una partitura ambos géneros. Él mismo advertía que componer una sinfonía era «construir un mundo con todos los medios posibles», por lo que sus trabajos en este campo se caracterizaban por una manifiesta heterogeneidad, por introducir elementos de distinta procedencia (apuntes de melodías populares, marchas y fanfarrias militares...) en un marco formal heredado de la tradición clásica vienesa.

Esta mezcla, con las dilatadas proporciones y la gran duración de sus sinfonías y el empleo de una armonía disonante que iba más allá del cromatismo utilizado por Richard Wagner en su Tristán e Isolda, contribuyeron a generar una corriente de hostilidad general hacia su música, a pesar del decidido apoyo de una minoría entusiasta, entre ella los miembros de la Segunda Escuela de Viena, de los que Mahler puede considerarse el más directo precursor.

En 1594 el Papa Gregorio XIII nombró a Santa Cecilia patrona de los músicos. Una de las santas más conocidas y veneradas a lo largo de la historia cristiana ha sido Cecilia de Roma. Universalmente reconocida como patrona de la música, esta mártir primitiva ya tenía una amplia veneración y reconocimiento por parte de la comunidad cristiana en el siglo IV de nuestra era, y posteriormente se la ha conmemorado tanto en Oriente como en Occidente. El 22 de noviembre se celebra en el Santoral la festividad de esta cristiana que fue torturada y sobre la que hay muchas historias vinculadas a la música. Se desconoce el año exacto de su nacimiento, pero se cree que vivió entre finales del siglo II e inicios del siglo III. Cecilia nació en el seno de una familia noble convertida al cristianismo. Cecilia ofreció su virginidad al Señor, como se hizo habitual entre muchas mujeres cristianas de los primeros siglos; sin embargo, su padre deseaba casarla. Así, contra su voluntad, fue entregada en matrimonio a Valeriano, un joven noble pagano. El día en que se celebraron las nupcias, con la tristeza por no poder consagrar su vida a Cristo, Cecilia pidió paz y fortaleza al Señor. Mientras los músicos tocaban en la fiesta, ella alababa a Dios con bellos cantos que le brotaban del corazón. En la noche de bodas, Cecilia dijo a Valeriano: "Tengo que comunicarte un secreto. Has de saber que un ángel del Señor vela por mí. Si me tocas como si fuera yo tu esposa, el ángel se enfurecerá y tú sufrirás las consecuencias; en cambio si me respetas, el ángel te amará como me ama a mí”. El esposo le pidió que si le mostraba al ángel, él haría lo que ella pidiera. Cecilia le contestó que si él creía en el Dios vivo y verdadero y recibía el bautismo, entonces vería al ángel. Valeriano, entonces, fue a buscar al obispo de Roma, el Papa Urbano I, quien lo instruyó en la fe y lo bautizó. Tiempo después, el ángel se le apareció a ambos y les puso una guirnalda de rosas y lirios sobre la cabeza como símbolo de su unión espiritual. El hermano de Valeriano, Tiburcio, contagiado de la alegría de los jóvenes esposos, se acercó a ellos y también se hizo cristiano. Lamentablemente, se desató la persecución nuevamente contra los cristianos, y esta alcanzaría a Valeriano y Tiburcio, quienes serían apresados y condenados a muerte por órdenes del prefecto Turcio Almaquio. Máximo, funcionario del prefecto, fue designado para ejecutar la sentencia, pero se negó a cumplirla porque también se había convertido al cristianismo. El prefecto entonces ordenó que Máximo fuera ejecutado junto a los hermanos. Cecilia recogió los restos de los tres hombres y los enterró según la usanza cristiana. No corrían buenos tiempos en Roma para los cristianos y fueron condenados a morir de formas aberrantes. En el caso de Cecilia, primero lo intentaron en las termas de su propia casa, tratando de ahogarla con el vapor sin conseguirlo. Luego, llamaron a un verdugo para que le cortara la cabeza: la historia dice que éste dejó caer tres veces su hacha sobre ella sin conseguirlo, con lo que huyó despavorido abandonando a la joven ensangrentada pero viva. Aunque quedó maltrecha y murió finalmente tres días después. De ahí que en algunas obras de arte se la represente ya cadáver con un tajo en su cuello, como en la escultura en mármol de Stéfano Maderno (1576-1636), que se encuentra en en la iglesia de Santa Cecilia en Roma, donde supuestamente reposan sus restos. En muchos cuadros se la ve, sin embargo, entre instrumentos musicales, comúnmente tocando un órgano.

Aram Khachaturian (1903-1978) nació el 6 de junio de 1903 en Tiflis, la capital de Georgia, uno de los antiguos estados soviéticos. Sus raíces armenias están presentes en toda su producción, lo cual confiere su característico color e inconfundible ímpetu rítmico a su música. Tuvo gran éxito fuera y dentro de la Unión Soviética, pese a algunas voces discrepantes que desde los estamentos oficiales lo acusaban de formalismo antirrevolucionario. En 1938 compone la breve cantata para coros y orquesta "Poema a Stalin" Op.41 respondiendo a las exigencias del régimen. Cuando Stalin se convirtió en una persona non grata cambiaron el título por el de "Poema". En 1961 cambió el texto sin dejar ninguna referencia al dictador. En 1948 Khachaturian compone la "Oda en memoria de Vladimir Ilich Lenin" Op.71 tomando la música de un film documental que había compuesto. A pesar de todo ello no se libró de ser acusado por el Comité Central del Partido Comunista de tendencias burguesas y antirrevolucionarias detectadas en sus partituras. Como casi todos los grandes compositores de la época soviética tuvo que enfrentarse a este problema. Su fama se debe, sobre todo, a sus ballets Gayaneh (1942), en el que se incluye la celebérrima Danza del sable, y Espartaco (1954). Fue autor asimismo de varias bandas sonoras cinematográficas, entre las que destaca la de La batalla de Stalingrado.

Hoy repasamos dos de las obras más emblemáticas del compositor alemán, nacido en Munich, Richard Strauss: el poema sinfónico "Las aventuras de Till Eulenspiegel" y la suite de la ópera "El caballero de la rosa". El personaje Till Eulenspiegel -perfectamente paralelo a los héroes de nuestra novela picaresca- existió realmente: fue un hombre del campo que murió víctima de la peste, hacia 1350, después de haber abanderado la rebelión contra la burguesía explotadora del campesinado. A partir de ahí, Till se convierte en leyenda y el personaje, manteniendo su esencia, evoluciona en las narraciones populares en función de las necesidades expresivas o ejemplarizantes de cada lugar y de cada época. Así, en el siglo XVI y en los Países Bajos, Till Eulenspiegel representó el símbolo de la aspiración flamenca a la libertad frente a la tiranía de los emperadores Carlos y Felipe. Pero el Till que nosotros conocemos es el que nos acercó Strauss a finales del siglo pasado, esto es, un gamberro, un bribón con algo de simpático y un mucho de agitador, siempre metido en líos, un provocador de vocación que acaba siendo perseguido por el orden imperante, juzgado, condenado y ajusticiado. Con Der Rosenkavalier (1910), Strauss moderó su lenguaje armónico acercándose al estilo lírico mozartiano y a la tradición vienesa de la opereta. Fruto de esa segunda etapa es una serie de óperas de corte neoclásico o neorromántico, según el título al que nos refiramos, muy apreciadas por el público y que, en su mayoría, permanecen en el repertorio lírico habitual, sobre todo las firmadas con el poeta Hofmannsthal: Ariadna en Naxos (1912), La mujer sin sombra (1918), Intermezzo (1923), Helena egipciaca (1927) y Arabella (1932).

La Sinfonía Fantástica describe el primer amor de Berlioz dirigido hacia Harriet Smithson, actriz irlandesa con la que acabaría casándose. Este amor se puede ver representado bajo una línea melódica fija (Idée fixe) que aparece de forma distinta a lo largo de la sinfonía.Considerada la obra más representativa del compositor, la Sinfonía Fantástica consagra a Hector Berlioz como el gran compositor del romanticismo, al menos de la primera mitad. La sinfonía está inspirada en una obra literaria, es decir, es una sinfonía programática. Narra los sueños de un joven músico que, tras sufrir un desamor, decide recurrir al opio. El compositor, además, introduce variedad de elementos autobiográficos referidos al amor no correspondido de la actriz Harriet Smithson.  La obra consta de 5 movimientos y, en cierto modo, por temática y por estructura es deudora de la Sinfonía Pastoral de Beethoven. Leonard Bernstein describió la sinfonía como la primera expedición musical a la psicodelia debido a su naturaleza alucinatoria y onírica, y porque la historia sugiere que Berlioz compuso al menos una parte bajo la influencia del opio.

Franz Joseph Haydn (31 de marzo de 1732 – 31 de mayo de 1809) compositor conocido como el “padre de la sinfonía” y el “padre del cuarteto de cuerda”, Nació en Rohrau, Viena, Austria. Es uno de los máximos representantes del período clásico; su contribución fue notable en el desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata. Pero, todos estos reconocimientos fueron lamentablemente apreciados luego de su muerte. El momento decisivo en su carrera fue en 1761, año que entró al servicio del príncipe Paul Anton Esterházy en Eisenstadt, primero como viceministro de capilla, ocupándose enseguida de toda la vida musical en la corte.  Entre 1761 y 1791, años que estuvo al servicio de Nicolás, a la muerte de su hermano Paul Anton, compuso noventa y seis sinfonías, la mayor parte de ellas estrenadas en el Castillo Esterház, y poco después interpretadas en toda Europa y América del Norte. Las doce sinfonías "londinenses" fueron compuestas, años después, en Londres y Viena. A Haydn le debemos el establecimiento de formas como la sonata y de géneros como la sinfonía y el cuarteto de cuerda, que se mantuvieron vigentes sin importantes modificaciones hasta bien entrado el siglo XX.  

En el programa de esta semana, 'Hoy nos vamos al museo: Cuadros de una Exposición de Mussorgski', Margarita Lorenzo de Reizábal preguntaba a los oyentes si son capaces de distinguir qué música identifica a un judío pobre y cuál uno rico. El audio que pueden escuchar en este podcast incluye la incógnita que nos presentaba el último capítulo de Música Maestra. Tienen hasta el jueves 5 de octubre para contestar mediante whatsapp al 688713512 o escribiendo al mail oyentes@radiopopular.com poniendo "MUSICA MAESTRA CON MARGARITA LORENZO DE REIZABAL". No olviden incluir su nombre y sus apellidos tanto en el mensaje como en el correo electrónico.

PREMIO FABULOSO

El premio son 2 menús para dos personas en LA FÁBULA (Bilbao) que se dirán en directo el viernes 6 de octubre mediante conexión con Margarita durante la mañana. ¡¡Suerte a tod@s!!

La obra Cuadros de una Exposición fue escrita por Modest Mussorgski para piano en 1874 y orquestada por Maurice Ravel en 1922. Estrenada (La versión orquestal) el 19 de octubre de 1922 en París bajo la dirección de Serguei Koussevitzki. En 1874 tuvo lugar en Moscú una exposición de pinturas y proyectos arquitectónicos del artista ruso Viktor Hartmann, fallecido un año antes e íntimo amigo del compositor, y de un grupo de jóvenes artistas que aspiraban a la creación de un arte puramente ruso del que estuviera eliminada cualquier influencia extranjera. Mussorgski tradujo musicalmente esas pinturas en unos términos bien diferentes a lo que en el resto de Europa se consideraba por entonces como «música programática». El resultado fue una colección de piezas para piano titulada como Cuadros de una exposición, partitura que fue recibida con enorme estupor por un público que no acertaba a descubrir el enorme talento de un compositor genial aunque muy criticado por los excesos alcohólicos que le impedían una mayor concentración creativa. De hecho, músicos como Rimski-Korsakov y Glazunov dedicaron grandes esfuerzos por suavizar las asperezas musicales de la producción de Mussorgski en base a rectificar e instrumentar unas partituras que, paradójicamente, han resultado ser mucho más completas, vehementes e imaginativas en su ruda versión original. Hoy comentamos estos cuadros de la exposición de 1874 uno por uno, describiendo su contenido pictórico y musical.

El compositor y pianista polaco Frédéric Chopin (1810-1849) fue uno de los más célebres representantes del Romanticismo musical del XIX. No en vano reunía todos los ingredientes del buen romántico: un gusto elegante, una azarosa vida de relación es alternada con soledades y melancolía además de un estilo musical revolucionario. Aunque compuso obras orquestales, su aportación musical más relevante se hizo en el campo del piano. Sus obras para piano (estudios, scherzos, baladas, nocturnos, mazurkas) son mundialmente conocidas y estudiadas por lo novedoso de su estilo compositivo y su técnica depurada. Si el piano es el instrumento romántico por excelencia se debe en gran parte a la aportación de Frédéric Chopin.  El compositor polaco exploró un estilo intrínsecamente poético, de un lirismo tan refinado como sutil. Ciertamente, son pocos los músicos que, a través de la exploración de los recursos tímbricos y dinámicos del piano, han hecho «cantar» al piano con la maestría con qué él lo hizo. Y es que el canto constituía precisamente la base, la esencia, de su estilo como intérprete y como compositor.  

Celebramos los 150 programas en antena con caprichos musicales muy diversos, con música que llega al corazón. Massenet, Beethoven, Piazzolla, Bruch, Fauré, Poulenc, Orff y Rachmaninov son algunas de las estrellas estelares de este podcast.  

Repasamos la vida de Johann Sebastian Bach desde la perspectiva más humana del compositor de Eisenach: su formación inicial, su niñez y adolescencia, su arraigado espíritu religioso y cómo hizo frente a las múltiples adversidades que jalonaron su vida. Especialmente interesantes son los períodos vividos sucesivamente en Weimar, Kothen y, finalmente, en Leipzig.   Mientras vamos conociendo los pormenores de su vida, escuchamos algunas obras paradigmáticas de su estilo creador.  

Hoy vamos a continuar repasando algunas de las celebraciones de las principales efemérides musicales de 2023 que nos han ido quedando en el tintero. Este año es especialmente rico en el recuerdo a personalidades españolas, con los centenarios de Alicia de Larrocha, para cuyo homenaje se han unido cerca de 70 instituciones nacionales, Victoria de Los Ángeles y los 100 años transcurridos desde el fallecimiento de Tomás Bretón. Este año se cumplen también 50 de la desaparición de Pau Casals así como cinco del fallecimiento de Montserrat Caballé en octubre de 2018, habría celebrado su 90 cumpleaños. También en el apartado del repertorio es reseñable El retablo del Maese Pedro de Falla, que en junio cumplirá el primer centenario de su estreno. En el plano internacional, destacan los centenarios de György Ligeti así como de la soprano Maria Callas. Igualmente, sobresalen el 150º aniversario del nacimiento de Caruso, ha sido en febrero, de Max Reger, en marzo, y de Rachmaninov, en abril, entre otros importantes compositores e intérpretes de fama internacional.   GRAN SORTEO EXTRAORDINARIO EN EL PROGRAMA 150 DE ¡MÚSICA, MAESTRA!   Cumplimos 150 programas y lo celebramos sorteando una cena para dos personas en el restaurante "La terraza de Luisa" en Alda. Mazarredo y varios Pendrive del programa con música seleccionada por nuestra Maestra, Margarita.   Para participar en el sorteo, solo hay que enviar un mensaje de voz o texto al whatsapp del programa, 688713512, y dejar su nombre y apellido. Son bienvenidas las felicitaciones por esta efemérides, pero no obligatorias.   Disponen hasta el miércoles 21 de junio a las 12:00 para enviar sus mensajes de whatsapp.  

El siglo XIX puede considerarse como el siglo de oro de la guitarra con innumerables figuras como Giuliani, Carcassi, Tárrega, Coste, De Ferranti entre otros, quienes desarrollaron nuevas técnicas y compusieron obras que hicieron que la guitarra alcanzara un puesto preponderante entre los instrumentos solistas. En términos estilísticos en este periodo con propiedad debemos hablar de una primera etapa clásico-romántica con compositores inspirados en la tradición clasicista al estilo de Fernando Sor, que evolucionó hacia unas composiciones mas acordes con la tradición romántica cuyo más destacado representante seria Francisco Tárrega. Por lo que respecta al instrumento en sí decir que la guitarra a principios del XIX evolucionó desde su antigua morfología hacia lo que puede denominarse modelo romántico, más larga y simple que las desarrolladas hasta la fecha, con la cintura más estrecha y bastante parecida al instrumento tal y como lo conocemos actualmente. Esta es una época de experimentación e introducción de innovaciones como por ejemplo el de fijar las cuerdas al puente mediante un juego de clavijas (sistema obsoleto), alargar los trastes por encima de la abertura sonora, y el de experimentar con el número de cuerdas que debía tener el instrumento. La guitarra española, uno de los escasos prototipos instrumentales que España exportó a todo el mundo y que continúa plenamente en activo. En la fijación de un nuevo repertorio para la nueva guitarra hubo varios españoles que tanto en España como en Europa contribuyeron decisivamente con sus Estudios y otras obras: el madrileño Dionisio Aguado y el catalán Fernando Sor, aunque muchas de sus obras pueden adscribirse aún a las formas neoclásicas que les dan origen y claridad.   Celebramos el próximo programa 150 de¡ Música, maestra!, con muchos sorteos y premios entre los oyentes del programa y, en general, de Radio Popular/Herri Irratia. Esta semana, sorteamos 2 entradas dobles para el precioso concierto de Música de Cámara de la BOS, que tendrá lugar en el Palacio Euskalduna el día 22 de mayo, lunes, a las 19:30h. Para participar en el sorteo sólo hay que responder a esta sencilla pregunta: ¿cuál es el eslogan que emplea Margarita para terminar todos los programas de ¡Música, maestra!?. Si no conoces la respuesta, escucha alguno de los podcasts del programa y saldrás de dudas. La respuesta a la pregunta se debe dejar en el Whatsapp del programa 688713512, en forma de mensaje de texto o de voz.  Mucha suerte y ¡a participar!

Empleando como excusa los colores y los atributos de los distintos momentos del día, amanecer, atardecer y anochecer, hemos seleccionado música que de algún modo están relacionada con estos distintos momentos del día. John Williams, Debussy, Wagner, Grieg, Schubert o Bridge son algunos de los compositores invitados hoy al programa para hacernos revivir los colores de la salida del sol, el ocaso y los rayos de luna.  

En EEUU, un país que hasta el final de la Primera Guerra Mundial había dependido en el ámbito musical casi exclusivamente de modas, compositores e intérpretes llegados de Europa, George Gershwin fue el primero en hacer oír una voz inequívocamente autóctona, aunque capaz, al mismo tiempo, de conquistar el éxito fuera de las fronteras de su patria. Y lo hizo a través de unas obras en que hábilmente se sintetizaban elementos procedentes del jazz y de la tradición clásica, y que le permitieron destacar por igual en campos tan dispares como el de la música sinfónica y la popular. Hoy repasamos los grandes hitos musicales del compositor de Summertime, probablemente la canción más conocida de todo el repertorio musical estadounidense.

Hoy repasamos algunas de las bandas sonoras cinematográficas más emblemáticas de la historia del cine. Compositores como Ennio Morricone, John Williams, James Horner, Vangelis y Bernard Herrmann pusieron música a historias de héroes, de acontecimientos épicos, de dramas y pasiones que, a menudo, revalorizaron el valor de las cintas y dotaron de mayor sensibilidad y emoción a los argumentos de los filmes. Las bandas sonoras que escucharemos son Érase una vez en América, Psicosis, El bueno, el feo y el malo, Star Wars, Superman, Titanic y Carros de fuego.  

El Lago de los cisnes está considerada la obra más espectacular dentro del repertorio de la danza clásica, siendo una pieza fundamental también en la música de Tchaikovsky. Lleno de romanticismo y belleza, representa el triunfo del bien (Odette, el cisne blanco) sobre el mal (Odile, el cisne negro). La coreografía requiere de los bailarines una gran capacidad técnica para la interpretación de los personajes, sobre todo el de la bailarina principal, que a menudo es la misma para los dos papeles de Odette/Odile y, mientras que en el papel de Odette realiza unos movimientos suaves y delicados, cuando es Odile son movimientos mucho más enérgicos. Hoy visitamos la música para este ballet que, aunque fue un fracaso en su estreno, resurgiría en 1895 con una nueva coreografía de Marius Petipa y Lev Ivanov. Desafortunadamente, Tchaikovsky no vivió para ser testigo del éxito del Lago de los Cisnes.